导语：画家梵高和他的向日葵，在中国可谓是家喻户晓。既然他这么有名，那么他的画到底厉害在哪里？是不是很好奇呢，今天就让老王先生为大家解答这个问题。 
1. 印象主义始末
梵高真正走上艺术之路是1880年，当时最炙手可热的当属印象主义画派。印象主义追求光线和色彩，将西方艺术从顽固的强调轮廓、明暗的学院派中拯救了出来。
威廉·阿道夫·布格罗《波西米亚女孩》（1890）
莫奈《印象·日出》（1872）
以上两幅作品，第一幅《波西米亚女孩》即是当时学院派推崇的画法，第二幅《印象·日出》是莫奈的印象主义风格。 《波西米亚女孩》注重明暗、轮廓，色彩温和、中规中矩；而《印象·日出》就不一样了，它的目标就是将光线用色彩画出来，轮廓、明暗这些东西，不重要的。毕竟印象主义在反叛中诞生。 到1885年左右，历经八届展览的印象派开始走向衰落，修拉开创的新印象主义诞生了。他们信仰色彩科学，创作出点彩画。
修拉《大碗岛的星期天下午》（1886）
上色时，色彩并非提前在调色板上调好，而是将几种纯色斑点并列在画布上，近看是无数的小斑点密密麻麻，但是远看，这些不同颜色的细小斑点在视网膜上混合，形成新的绚烂的色彩。 1890年左右，在新印象主义很快被大家“看腻”之后，多种“主观艺术”萌芽，披着印象主义的外衣出现，这就是后印象主义。他们保留了印象主义的光和色，但是更强调画家自身的情感表达。代表人物就包括我们的文森特·梵高，还有保罗·高更、保罗·塞尚。梵高死于1890年，上帝没让他活到后印象主义风靡的那一刻。
2. 科学的色彩
梵高作为后印象派的代表，其画作自然是对印象主义的传承。其实在梵高仅有10年的艺术生涯里（1880~1890），前5年基本坚守的是他在家乡埃滕形成的黑暗乡村画风，在1885年，梵高才彻底拥抱了印象主义。印象主义的特点我们刚刚已经讲过，最核心的一点就是“画出光线”，他们的色彩搭配当然不是瞎弄，都是有科学理论依据的。主要的理论包括： 1. 三原色理论：红、黄、蓝为三原色，可以通过混合，调配成任何其他颜色；2. 补色理论：原色在色相环中相对立的颜色称为它的补色，比如红色的互补色是绿色，黄色的互补色是紫色，蓝色的互补色为橙色。原色与其补色放在一起时，格外赏心悦目。
色相环
梵高的印象主义画作充斥着补色理论，1886年他在巴黎的蒙马特住处，创作了一系列的鲜花：绿色瓶子里的红菖蒲，蓝色背景中橙色锦紫苏，紫菀与黄色的鼠尾草
梵高《插着红菖蒲的花瓶》（1886）
梵高《花盆中的锦紫苏》（1886）
梵高《插着紫菀和草夹竹桃的花瓶》（1886）
3. 疯狂的厚涂
梵高作画时，经常会疯狂地使用厚涂法。梵高曾经在安特卫普皇家艺术学院学习过一段时间，据他的同学回忆：“有天早上，文森特来上油画课，穿着一件蓝色的罩衫。他开始疯狂作画，速度很快，把同学们都惊呆了。他在画布上涂满了厚厚的颜料，颜料从画板上流淌下来，滴落在地板上。” 他似乎要将自己疯狂的情绪发泄到画中一样，下面是《星夜》的局部放大图：
梵高《星夜（局部）》（1889）
浓重的画面质感不言而喻。再感受下《海边的渔船》局部：
梵高《海边的渔船（局部）》（1888）厚涂法开创者绝非梵高，17世纪鲁本斯等诸多画家皆有使用，只不过他们往往用它来表现画作中的某些局部特征。而梵高却是将这种技法发扬光大之人，以期望获得更强的质感和视觉冲击力。
4. 运动着的曲线
梵高的画非常重要的一点，就是开创性地使用弯曲的线条和形状，来表现运动的状态。这一点在他后期（1888~1890）的很多画中体现地极其明显，比如《海边的渔船》、《丝柏》系列、《星夜》。
梵高《海边的渔船》（1888）梵高使用了很多粗犷的弯曲的线条，用来表现海浪的翻涌，动感十足。他发现了这种技巧后，开始投身于丝柏的描绘。
梵高《两棵丝柏》（1889）
一条又一条夸张的弯曲彩色线条，组成了浑厚茂盛的丝柏树、组成了杂乱无章的草丛、组成了远处绵延不绝的山峰、组成了浩瀚无垠的海浪般天空。梵高将这种技法发挥到极致时，《星夜》诞生了：
梵高《星夜》（1889）
弯曲的线条开始夸张地变了形，在天空中翻卷出一个又一个巨大的旋涡。漩涡之中的星光、月光闪闪发亮、熠熠生辉。 作这幅画时他已经进了精神病院，那段时间他的癫痫反复发作。
5. 主观的情绪
最重要的一点是，梵高的最杰出的一些画作，并不是对现实直接描绘，而是主要表现自身的情感。这也是他最厉害的地方所在，于是他作为“后印象派”杰出的代表人之一。后印象主义被一些学者认为是现代艺术的开端。梵高的《吃土豆的人》就有这种表现的迹象。
梵高《吃土豆的人》（1885）
这幅画时梵高在荷兰家乡所画，画面描绘的是农民一家人吃煮熟土豆的场景。当时的梵高自诩为“农民画家”，对乡村生活情有独钟。 画面左侧，一对夫妻正在彬彬有礼地分享着煮熟的土豆；右侧，一位骨瘦如柴的老妪正在为大家倒咖啡；而在桌子后面，一个农夫将盛好土豆的小碗递给母亲；画面中央，背对着我们的孩子，顺从地等待着。 这幅画面并不是梵高亲眼所见，而是他看到“情人”一家人围着桌子吃完饭，受到感触画下的。既是想象，因此他有了很多发挥的空间。 梵高将这些农民安放在黑暗之中，仅仅用房顶上吊下来的油灯来照明，明亮的灯光和昏暗的表情形成鲜明的对比。他将各种色调精心混合，调制出几种“阴森森”的色调。为了强调小屋的幽闭恐怖，他降低了天花板的高度，并将两侧视野之外的一些细节（镜子、时钟、画作、鞋、水壶等）挤入画中。 所有的这些都是为了表现农民生活的贫苦和卑微。 在《向日葵》的系列里面，你也能够感受到一些情绪。
梵高《两朵向日葵》（1887）
梵高《四朵向日葵》（1887）
为什么这些盛开的向日葵被折断，然后七零八落地掉在地上？如果你能看出“遗弃”与“绝望”，你就真懂他了。 那个夏天，弟弟提奥向一个女人求婚，这对梵高来说并不是好事，因为弟弟的结婚很可能就意味着对自己的抛弃。梵高一辈子与弟弟惺惺相惜，十分亲密，他性格暴躁固执，几乎与所有人都合不来，除了弟弟。被抛弃的恐惧笼罩着他，他向铃鼓咖啡厅老板娘求婚，结果被痛打了一顿。 可怜的他，望着庭院里盛开的向日葵，看到了“遗弃”与“绝望”，于是画下了几朵折断的向日葵。 那副大名鼎鼎的《麦田上的群鸦》，也是充满了阴郁的情绪。
梵高《麦田上的群鸦》（1890）
当时弟弟提奥已经结婚，梵高与弟媳之间产生了一些摩擦。弟弟的事业不太顺利，一方面要养妻育子，另一方面还要资助这个“一事无成”的哥哥。梵高一直靠弟弟的“不菲”的接济生活，这让弟媳很不满意。梵高也抱怨弟媳不懂事。在一次不欢而散的聚会之后，梵高望着奥威尔远处的麦田，内心充满阴郁，他画下了这幅《麦田上的群鸦》。
6. 结语
所以，梵高的画好的地方主要在于：首先是对印象主义光线与色彩的传承，其次是浓重的厚涂，然后用夸张的曲线和形状表现运动的状态，所有的这些都是为了表现画家的情感。 梵高作为后印象派艺术的代表，是表现主义的先驱，他的画作深深影响到后世的现代艺术，包括表现主义和野兽派。表现主义大师蒙克，受到梵高作品的启发，创作出著名的《呐喊》。
蒙克《呐喊》（1893）
蒙克扯去了梵高印象主义的外衣，将情绪更为夸张地表现出来。
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发表于 2025-7-16 20:40:27
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